This is David Wilson

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David Wilson quizás sea hoy en día una de los directores más creativos que pueden sentarse tras una cámara. David Wilson nunca ha pisado una escuela de cine.

Nacido en el 86 en la pequeña ciudad inglesa de Wells, Somerset, Wilson fue un chaval inquieto que se dedicó a estudiar animación en la Universidad de Brighton y no tardó demasiado en descubrir que lo de dibujar se le quedaba corto: en su cabeza burbujeaba la idea de que las imágenes estáticas que pintarrajeaba eran tan solo el primer paso y que la evolución lógica del proceso creativo consistiría en dotar de vida a aquellas ilustraciones inmóviles. A Wilson le fascinaba el cine Disney más añejo (Dumbo) y también la creatividad incombustible de gente como Michel Gondry (llegaría a obsesionarse con el DVD recopilatorio The work of director Michel Gondry), aquel realizador francés cuyo clip «Let Forever Be», para The Chemical Brothers, le hizo intuir que el mundo de la música era un laboratorio ideal para sus ocurrencias. La pieza «Tribulations» de Douglas Wilson para LCD Soundsystem supuso el empujón decisivo y, tras presenciarla, el chico de Wells comenzaría a acomodar sus creaciones en YouTube. Pronto su catálogo llamaría la atención de la productora Blinkink y el aspirante a director comenzaría a pasearse por las oficinas de la empresa durante más de un año dando la lata desinteresadamente. Aquel chaval con un aire al Spud de Trainspotting aprendería a canalizar sus ideas y, tras rodar algún mockumentary casero, fabricaría con un presupuesto ridículo un videoclip que dejaba a las multimillonarias producciones contemporáneas completamente indefensas y asiéndose las bragas: se trataba del fascinante «We Got Time» para Moray McLaren.

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Moray McLaren – «We Got Time» (2009)

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CharlesÉmile Reynaud fue un francés inquieto culpable de idear el praxinoscopio en 1877, un ingenio mecánico que era la versión 2.0 del zootropo, otro cacharro de su invención. Ambos aparatos permitían al usuario entretenerse durante toda la victoriana tarde contemplando dibujos animados de un par de segundos de duración. En 2009 Wilson se inspiraría en aquellos artefactos para facturar una obra sensacional que reconvertía unos cuantos tocadiscos en zootropos con espejos. Mecanismos que al girar dotaban de vida propia a los seres dibujados en los paneles, provocando extrañas e hipnóticas coreografías animadas.

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We Have Band – «You Came Out» (2009)

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El espectáculo visual no siempre requiere de decenas de figurantes, carísimos efectos especiales por ordenador o toneladas de atrezo de relleno. En ocasiones tan solo necesita de gente creativa con la suficiente imaginación como para extraer material precioso de cualquier lugar. «You Came Out» es un vídeo de animación sin dibujos animados, una secuencia en stop motion donde el lienzo son los caretos de los integrantes de la banda. Una ingeniosa escena que solo ha necesitado de pinturas, un par de espejos, afición por la pretecnología y mucha paciencia para codearse con las creaciones más caras y vistosas.

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The Japanese Popstars – «Let Go» (2010)

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The Japanese Popstars tiene muy poco de orientales (son irlandeses) y nada de tontos: para lucir «Let Go» pusieron en nómina al realizador y obtuvieron a cambio un fabuloso desfile de criaturas que gracias a su naturaleza de tinta mutaban y evolucionaban continuamente como un gigantesco organismo vivo.

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Keaton Henson – «Charon» (2010)

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Si a las tragedias les añadimos títeres con tendencias suicidas y sangre de lana inevitablemente resultan mucho más trágicas. Codirigido junto a el propio Keaton Henson y John  Malcom Moore.

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Nokia N8 Pink – «Freedom» (2011)

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Una promoción publicitaria protagonizada por muñecas animadas en stop motion que para el director acabaría convirtiéndose en un trabajo divertidísimo: «Cuanto más intentaba forzar a la compañía con ideas disparatadas, más parecían gustarles. Muñecas girando la cabeza como en El exorcista, un ciervo gigante rosa y tetas láser. Y todo aquello de contratar al peluquero y estilista de Lady Gaga para trabajar sobre los pelos de las Barbies fue una ocurrencia bastante estúpida».

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SKREAM – «Listenin’ To The Records On My Wall» (2010)

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Una reinterpretación del encuentro carnal entre Adán y Eva repleta de pinturas, telas, árboles de plastilina y jardines que florecen rodeando al coito en proceso. No es una de las piezas más destacables de Wilson, pero llegó acompañada de un making of bastante majo.

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Keaton Henson – «You Don´t Know How Lucky You Are» (2011)

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«Creo que el arte en su mayor parte se trata de intentar que alguien te ame», aventuró Keaton Henson en algún momento dado. El clip de «You Don’t Know How Lucky You Are» son cuatro minutos con una única persona en pantalla, Sophie Thompson, hermana menor de Emma Thompson, y una interpretación que consigue sin una sola palabra que el espectador acabe abrazando la tele. Probablemente era esto a lo que se refería Henson.

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Metronomy – «The Bay» (2011)

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O cómo hacer un vídeo con estilo a pesar de incluir paisajes costeros, tacones, chavalas en bañador e insinuaciones nada discretas. Como curiosidad, el joven director presentaría en Dazed un interesantísimo vídeo donde comparaba el storyboard inicial con el resultado final y explicaba parte del proceso creativo detrás de su obra.

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David Guetta (y Sia) – «Titanium» (2011)

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Es posible que la figura del niño con superpoderes perseguido por agentes del Gobierno en un entorno de pequeña urbe casi rural fuese en algún momento una idea novedosa, pero a día de hoy está tan masticada como para ser considerada un cliché en sí mismo: en el «Titanium» para David Guetta no faltan ni las ochenteras huidas pedaleando en la bici. El director cumple, pero no se luce.

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Maccabees – «Pelican» (2011)

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Los ingleses de Maccabees presentaron «Pelican» con un clip asombroso en el que se arrastraba al espectador a través del espacio transformándolo en un cuchillo invisible que cortaba en dos mitades todo aquello que se le aproximaba flotando, incluyendo las jetas de unos cuantos críos. La idea inicial había sido una propuesta del propio grupo: requerían un vÍdeo que recapitulase la vida completa de un individuo de manera abstracta.

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Alternative Advent 2011 (2011)

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Durante un tiempo el realizador aprovechó el periodo navideño para encauzarse temáticamente y experimentar con proyectos centrados en esas fechas: diseñó una serie de supuestas postales rechazadas e hizo que el fotógrafo Owen Silverwood capturase el instante exacto en el que hacía volar por los aires una cena navideña. En 2011 decidió complicarse más la existencia y presentó un calendario de adviento inusual compuesto por veinticinco pequeños cortometrajes, que se fueron desvelando durante los días previos al veinticinco de diciembre. Cada uno de aquellos minivideoclips surgía de la colaboración con diferentes músicos de renombre que se encargaban de proporcionar la banda sonora a un apartado visual formado por piezas creadas para los live shows que montaba Wilson. Las entregas de este rarísimo calendario navideño se colgarían en un blog creado para la ocasión.

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Passion Pit – «Take a Walk» (2012)

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Un paseo a través de un barrio desde el punto de vista de una pelota que rebota (de manera poco compatible con la ciencia) hasta llegar a escalar edificios. No es uno de los mejores vídeos del realizador, y ni siquiera es de los que lucen en la técnica (se utilizó una helicam teledirigida para el rodaje, pero incluso tras la posproducción el resultado final llegaba empapado de movimientos toscos) y a lo mejor por eso mismo el trabajo no parece andar a la vista del público en el currículo digital del realizador.

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Adam Buxton – «Sushi Song» (2012)

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Adam Buxton es un cómico y actor londinense que, entre muchos otros proyectos, se encarga de organizar BUG, un show en directo donde repasa videoclips que considera extraños, brillantes, notables o todo lo anterior combinado. Su espectáculo también tiene una versión televisiva (Adam Buxton’s BUG) en el canal Sky Atlantic y «Sushi Song» es un videoclip que se emitió en una de aquellas entregas catódicas, una canción protagonizada por el propio Buxton cantándole al pescado crudo. Wilson dirigiría una pieza sin demasiados alardes en la que destacaba un pez arrojado por los aires con el efecto de cámara a lo Matrix, algo que tarde o temprano iba a ocurrir en la producción de un caballero que había comentado: «Creo que el hecho de ver las escenas de Matrix en las que se ralentizaba el tiempo y descubrir que nunca habías visto nada igual era cien veces más impresionante que ver Avatar en 3D, incluso si no habías visto nada en 3D antes».

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Artic Monkeys – «Do I Wanna Know?» (2013)

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Los publicistas de ese teleñeco que es Abraham Mateo tienen pinta de ser el tipo de gente que apura para finiquitar de cualquier manera las tareas pendientes antes de la hora del café y poder pasarse el resto del día concentrados en peinarse el vello púbico. Ya se intuía algo de esto cuando optaron por fusilar al juguete Action Man para crear un logotipo para el proto Justin Bieber, pero con la portada del AM de los Artic Monkeys fueron incluso menos discretos y, aprovechando que el cantante infante también tiene un disco titulado AM, la fotocopiaron con tanto descaro que incluso la banda británica se defecó en las redes sociales sobre los enterrados del Mateo. Lo importante es que el diseño original de los monos árticos era tan potente como para convertirlo en un videoclip. «Do I Wanna Know?» trabajaba sobre esa imagen otorgándole vida propia al hacer vibrar la línea al ritmo de la voz de Alex Turner y el sonido de varios instrumentos. En un momento dado aquel hilo fluctuante se transformaba en neumáticos asidos por mujeres neumáticas, botas de paso firme, carreras disparatadas de coches, gallinas que cagan cerebros con motores incrustados y toda una montaña rusa de regusto alucinógeno con pinta de brainstorming de Robert Crumb. En internet arrasó y el videoclip acumula ya más de trescientos veinte millones de reproducciones.

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IKEA – «Bright Shiny Colours» (2013)

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La alianza del realizador con Ikea daría como resultado un anuncio de aquellos que no solo no molestan, sino que además invitan al segundo visionado. Una coreografía en el interior de un catálogo de interiores donde el mobiliario baila con luces de colores y el lavavajillas es una puerta de entrada para bucear en un mundo de dibujos animados.

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Race for Life – «The Cancer Slam» (2013)

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Un anuncio que empieza con un «Este coche representa el cáncer. Y nos lo vamos a cargar» ya tiene media batalla ganada. Un ejército de chicas muy concentradas en bailar al mismo tiempo que convierten en chatarra un vehículo a base de hostias con bates de béisbol y palos de golf. Hablad de metáforas poco sutiles.

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Tame Impala – «Mind Mischief» (2013)

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Cinco minutos y medio de aventura sexual entre una profesora espectacular y un alumno enamoradizo en el interior de un Citroën 2CV. El realizador se pone el delantal de animador para las secuencias de roce carnal y tras ahumarlas con un porro las convierte en un delirio psicodélico que navega por el espacio entre galaxias que se abren de piernas, cuerpos que se derriten como velas y chicos con penes que se transforman en palanca de cambios. Un universo cuyas animaciones bebían, según el propio Wilson afirmaba, de The Oriental Nightfish una fábula fantástica desarrollada por Paul y Linda McCartney junto a Ian Emes.

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Hercules & Love Affair – «I Try To Talk To You» (2014)

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La agrupación Hercules & Love Affair encabezada por Andy Butler realizó un movimiento maestro al invitar a Anohni (la líder de Antony and the Johnsons) a colaborar en 2007 en el tema «Blind», un corte pegadizo que con extraordinaria rapidez se convertiría en un éxito rotundo (Pitchfork llegaría a encumbrarlo como mejor canción del año). Para sus posteriores trabajos Butler anunció que no iba a apoyarse tanto en lo de fichar voces de fama y lustre, pero mintió: John Grant le ayudaría a edificar «I Try To Talk To You», una pieza que lidiaba con el problema de ser portador del VIH y que llegaría revestida con un hermoso vídeo donde una pareja de varones ejecutan una elegantísima coreografia (en la que incluso participa la propia cámara bailando al girar sobre sí misma) en blanco y negro. El asunto conllevaba más entrañas de las que era posible adivinar en un principio: Grant, durante un aparición sobre el escenario para interpretar el tema, confesó a la audiencia que él mismo era portador del VIH.

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Arcade Fire – «We Exist» (2014)

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Win Buttler, líder de Arcade Fire, explicaba que «We Exist» era una conversación entre un chico gay y su padre durante la cual el primero confiesa su condición sexual al progenitor. Andrew Garfield, el Spiderman al que el universo entero hace el vacío, se puso a las órdenes de Wilson e interpretó a una mujer transgénero que tras ser agredida en un bar se teletransportaba hacia un musical onírico. Garfield salvaba el tipo notablemente danzando por el escenario acompañado de un colorido grupo gay de bailarines rednecks, con pantalones cortos y top de «camisacuadros», en una función maravillosa. El desenlace del clip se rodaría durante un concierto real de la banda, la prensa musical se derretiría ante el trabajo de Wilson y los Grammy de aquel año nominarían este «We Exist» en la categoría de mejor videoclip.

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Cardbury – «Passport Control» (2014)

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A lo largo de 2014 al chico de Wells se le encargarían un par de spots protagonizados por Lady Gaga y unos cuantos globos. Pero la incursión publicitaria más simpática del director durante la temporada sería la pequeña promo concebida para la marca de chocolatinas Cardbury. Algo así como el Weapon of Choice de Spike Jonze en versión anuncio y cambiando el hotel desierto por un aeropuerto en activo.

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Metronomy – «Boy Racers» (2015)

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Un cortometraje al ritmo del tema «Boy Racers» de Metronomy donde Daniel Schienert, militante del dúo creativo de directores conocidos como Daniels, se pone tan cachondo con el tema instrumental que da título al corto como para despistarse ligeramente al volante.

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Royal Blood – «Out of the Black» (2015)

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El dúo británico Royal Blood azotó los finales de 2014 con el single «Out of the Black» y un par de meses después lo presentó orgulloso en sociedad junto a un vídeo oficial dirigido a cuatro manos por Christy Karacas y David Wilson. Lo que empieza como el atraco sangriento de un criminal disfrazado de conejito con una peligrosa afición por las chocolatinas se acababa convirtiendo en una invasión alienígena con disfraces de felpa, hombres de negro y sana violencia gratuita desembocando en lluvias de entrañas. La gracia del asunto estaba en el formato: el videoclip saltaba entre la animación y la imagen real, reservando para las secciones animadas las secuencias más aparatosas, espectaculares y sobrecargadas de toneladas de gore y litros de sangre. También hay un personaje con nunchakus, un detalle que siempre suma.

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Beagle Street Life Insurance – «Reborn» (2014) «Coins» (2015) y «Limo» (2015)

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Una serie de anuncios de una aseguradora protagonizados por un bichejo monstruoso que se transformaba en un adorable animalito. La campaña inicial tuvo tanto éxito que propició una segunda venida del gremlin adorable, y eso que el spot hacía lo único que no debe hacer nunca un vídeo publicitario: asustar a la gente.

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Tame Impala – «Let It Happen» (2015)

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Un hombre se desploma en el interior de un aeropuerto y comienza un extraño viaje entre nubes, accidentes de avión y hoteles en el que no es capaz de distinguir el sueño del mundo real. Una de las producciones del director en cuyos efectos prácticos (esa moqueta convertida en puerta, ese despertador gigantesco) se intuye con más claridad la influencia de Michel Gondry.

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Shakespeare Lives in 2016: Macbeth (2016)

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Para celebrar el 400 aniversario de la muerte de William Shakespeare, al Consejo Británico se le ocurrió encargar una serie de piezas a gente de creatividad efervescente y sobre Wilson recaería la tarea de transformar en imágenes el monólogo de Lady Macbeth en el acto 1, escena 5 de Macbeth. Vicky McClure (This is England) aprovecha sus escasos dos minutos para desgarrar a su personaje emocionalmente mientras las extraordinarias animaciones de Ian Miller se encargan de despedazarla físicamente.


42 videoclips que tendrías que haber visto en 2011 (I)

En el crepúsculo de 2011, la dirección de Jot Down llegó a la conclusión de que era más que conveniente darle un repaso a las alegrías dadas por el videoclip musical durante el año. Para tal propósito contactó con una pareja de exquisitos y notorios connoisseurs del mundillo artístico-musical para la construcción de una guía fastuosa de clips imperdibles.

Ante el rechazo de ambos, Jot Down decidió encerrar a dos de sus redactores en una sala con un proyector y esperó pacientemente. Cuatro semanas más tarde llegaron con la piel pálida, la glucosa por los suelos y la lista definitiva de los 42 vídeos que tenías que haber visto en 2011.

Sí, 42.

Disfruten.

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Battles – My machines
Dirección: Daniels

Con la película Mallrats aprendimos varias cosas: Que Kevin Smith no era la gran esperanza blanca, que hay muchas preguntas pendientes acerca de los penes de los superhéroes y, la más importante, que las escaleras mecánicas son una amenaza para la integridad física. El vídeo de My machines de Battles no hace más que reforzar esta última de manera memorable: un hombre comienza por accidente a rodar por las escaleras mecánicas de un centro comercial mientras la cámara se desquicia por completo, documentando una puesta en escena que es un bestial e imposible salto mortal grabado en un solo plano que rebusca los ángulos una y otra vez. Todo ello coreografiado de manera milimetrada al ritmo de lo que sucede en pantalla. O cómo utilizar los FX para crear algo realmente espectacular que además consigue reflejar la agonía de un bucle dañino en una trampa mecánica. Sobresaliente o más.

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QG – Bomb
Dirección: Pierre Teulières

El vídeo de terror del año corresponde a este grupo francés que, siguiendo la estela del cine gore venido del Hexágono en los últimos años —À l’interieur, Haute Tension, los intentos de Gaspar Noé en Irreversible—  nos sumerge en una fiesta celebrada en un matadero en la que un niño bien de París queda plantado y decide montarse el fiestón por su cuenta. Dejándose llevar por los alucinógenos y sin poder marcharse, acaba presenciando un sacrificio con canibalismo incluido de la mano de una criatura que parece salida de un videoclip del gran Chris Cunningham, de tal belleza que emana. La sensación de imposibilidad de escape, junto con la estresante música, hace de este uno de los clips más tensos del año.

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Living Sisters – How are you doing?
Dirección: Michel Gondry

Michel Gondry es uno de los más geniales ilustradores de videoclips, y por eso mismo es de celebrar que vuelva a pisar este terreno con un nuevo ingenio visual. La canción de Living Sisters no es que sea el colmo del buen gusto (en realidad es bastante moñas) pero a su rescate llega Gondry reciclando parte de la idea de una de sus obras maestras (Sugar water de Cibo Matto), añadiéndole una ventana más y creando un clip malabarista con personajes que saltan de un plano a otro, terremotos, accidentes de aviones y destrucción variada en forma de juguetes formados con artesanías precarias. Y lo consigue.

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Yelle – Safari Disco Club / Que Veux-Tu
Dirección : Jérémie Saindon

La figura del tecktonik, la Lio de nuestros tiempos, presentó su segundo álbum de estudio con este díptico en el que, cual bestia salvaje, es perseguida por sus dos compañeros de grupo hasta que lanzándose por una madriguera llegan al mencionado Safari Disco Club en el que los animales bailan.

Acto seguido —previa pausa para cambiar el escenario— aparecen nuevos muñecos y comienza un segundo número en el que se juega con imágenes simétricas, movimientos bien marcados y ese ente de amor que es Tchiki-Tah Man. Un homenaje al mítico Around the World de Daft Punk en donde, al igual que en el vídeo de Gondry, se van añadiendo personajes al conjunto según avanza la canción.

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It’s tropical – The greeks
Dirección: Megaforce

Probablemente el vídeo más bestia y salvaje a la vez que infantil e inocente jamás rodado. Un grupo de niños juegan a la guerra armados con Nerfs y demás pistolas de plástico, y una post-edición en montaje se encarga de utilizar los dibujos animados para pintar sobre ellos las balas disparadas, los humos del tiroteo y sobre todo la sangre a borbotones que salpica de los pequeños soldados. Torturas electrificadas, bazookas, lanzallamas, festival de sadismo balístico heredero del anime con una buena muestra de headshots en cabezas infantes y cuya mayor gracia es la percepción de que por muy cafres que sean las imágenes (ametrallar a un enemigo herido a quemarropa en un sofá o simular una ejecución al estilo yihad loca) todo esto no es más que un juego de niños, la droga es harina, las barbas de los terroristas son de tela y el C4 es plastilina amarilla. Kabooom.

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Metronomy – She wants
Dirección: Jul & Mat

Si hay una banda cuyas canciones no llegan a la suela del zapato de sus vídeos, sin duda hablamos de Metronomy. Aquel grupo del fascinante videoclip de la bola de karaoke golpeando a gente —A thing for me— nos contó este año una historia rutinaria del día siguiente a una juerga: el momento de ir recopilando recuerdos hasta el instante en que viene a la mente un pequeño golpe que desata una reacción en cadena que consigue que te des cuenta hasta qué niveles la has liado parda. Claro, que más grave es cuando la protagonista consigue casi perpetrar una masacre en una boda que, como guinda, tiene el cabreo de la propia novia empujándola a la cama. Hasta que se le pase la tontería.

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High Places – Sonora
Dirección: Keith Musil

Mary Pearson (el cincuenta por ciento de High Places, siendo la otra mitad Rob Barber) interpreta una retorcida revisión gore de Popeye. El héroe se transforma ahora en heroína, utiliza un bote de espinacas para mutar su brazo y, con media cabeza abierta, supuestamente por culpa de una paliza con un palo de golf, emprende haciendo autostop el camino hacia la venganza. Sangrienta adaptación del personaje con un Bluto que se olvida de Olivia para secuestrar al novio de la protagonista, un tal Angus Andrews, ese mismo que es vocalista de Liars.

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iamamiwhoami – john
Dirección: Iamamiwhoami

El proyecto de Jonna Lee, revolución audiovisual del 2010, sacó este año un vídeo de ocho minutos y no le importó a absolutamente nadie. Sin embargo no decaía en cuanto a calidad respecto a sus piezas anteriores. Así, en John vemos la impecable factura de la sueca con ese contraluz tan estudiado mientras ella baila ridículamente sobre la cama de papel higiénico de un prostíbulo en el que es prisionera. Ironías de la vida, mientras la canción habla de lo sucia que se siente, el vídeo enfoca unos numerosos primeros planos del camel-toe de la cantante. Aunque podía ser peor, podía masturbar árboles, como en sus primeros clips. En realidad aquella obra también fue un videoclip fuera de serie, así que bienvenido sea todo el trabajo de esta mujer.

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Mujeres – Reyerta
Dirección: Tom Kingsley

¿Alguna vez has entrado en la peluquería y le has señalado al barbero una foto de revista para explicar cuál es el resultado que deseas? Nosotros no. Pero porque somos unos jodidos snobs. Eso sí, en caso de que tuviéramos que vernos obligados a hacerlo tendríamos muy claro que la única opción posible consiste en visitar al loquísimo peluquero del videoclip Reyerta, del cuarteto barcelonés Mujeres. Vídeo  que eleva el concepto de cambio de look al extremo, sustituyendo el corte de pelo por el cambio de cara a lo Face/off pero en modo fastforward y manual, con producción a cargo de Blinkink y rodado con muchísima gracia en forma de genial y cómica locura de garaje rock y pura-dura alma cartoon.

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The Go! Team – Apollo Throwdown
Dirección: James Slater

La banda de Brighton volvió con su tercer álbum de estudio al mercado nada más comenzar el año. Fieles a su sonido, sacaron este tema de ritmo frenético y con sonido enlatado. Y fieles a su imagen, crearon este vídeo lleno de efectos coloristas y psicodélicos intercalado con las imágenes del grupo y de la solista Ninja haciendo lo que presuponemos que es bailar mientras la invitada Dominique Young Unique rapea. Todo un despliegue de efectos técnicos sobre fondo negro.

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Manel – Aniversari
Dirección: Roger Padilla y Àlex Pastor

El grupo catalán Manel se cubre de gloria con el clip de Aniversari. Detrás de la cámara, el guitarrista del grupo y uno de los directores de Infectados. Y delante de la misma se montan su propio Cluedo con Sergi Lopez como detective fantasioso y una incógnita en forma de tragedia en la celebración de un aniversario. Biel Durán y Ona Casamiquela protagonizan una historia de amor en los años treinta con velas, bebidas espirituosas que convierten a la gente en liliputienses, katanas, armaduras, sirvientes escalando por el vestido de la amada y bastante fantasía de carácter mágico. Y con cameos incluidos: Jaume Sisa como fotógrafo de una fiesta playera de extraños personajes entre los que se camuflan los integrantes del grupo Mishima.

Como si Lewis Caroll le cantara a El increíble hombre menguante en medio de la Rambla.

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Dënver – Los Bikers
Dirección: Milton Mahan

Los chilenos Dënver, la revelación del año pasado en Sudamérica, tras un año repleto de reconocimientos por su disco y los altercados con la aduana en su gira española, sacaron una de las baladas del repertorio como single hace apenas mes y medio. El vídeo consiste en una coreografía ejecutada por el ballet del Teatro Nacional de Santiago de Chile en el Museo de Bellas Artes de la misma ciudad. A medio camino entre la danza y el Saló de Pier Paolo Pasolini, ponen imagen a una canción acerca de la sumisión total en el acto sexual bien cargado de homoerotismo y prácticas sadomaso.

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Radiohead – Lotus Flower
Dirección: Garth Jennings

Thom Yorke aquí es como aquel parroquiano del peor bar de tu ciudad que a las siete de la mañana, inspirado por los alcoholes, no solo se niega a abandonar la pista de baile sino que realiza el baile de “suene lo que suene, yo bailo lo que escucho en mi cabeza”, mientras efectúa una extraña sucesión de movimientos espasmódicos en el centro de un círculo formado por el resto de despojos del disco-bar que le jalean y palmean la hazaña. Así de patético, así de hipnótico, así de genial. El ducho Garth Jennings dirige una idea simple: Yorke con sombrero “bailando” mientras canta el tema. El resultado acaba convertido en un meme de internet con cientos de montajes en youtube, espasmos que harían parecer paralítico a Ian Curtis, la sensación de estar viendo al cantante siendo controlado por un cruel titiritero y la mejor coreografía desde aquel fabuloso grupo bailongo del Praise You de Fatboy Slim.

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Supersubmarina – Puta vida
Dirección: Luis Germanó

Sin duda estamos viviendo el mejor momento de la productora BoogalooFilms. Viendo a las actrices lamiendo la crema de cacahuete, revolcándose por el suelo, llorando y, sobre todo, ese culo en pompa en pleno cunnilingus, uno se da cuenta de que esas escenas con la nitidez descuidada forman un involuntario homenaje al  Luis Buñuel de El fantasma de la libertad o Belle de jour. Siendo más directo que el clip de los Scissor Sisters y que el homenaje al director español que Garbage hizo en el burdel del clip de Tell me where it hurts, y contando además con una ínfima parte del presupuesto de ambos. Además, todos sabemos que los vídeos con gatitos puntúan triple en youtube, así que no cabe ulterior discusión. Pena que, salvo el tipo baboso de las cucharadas, los componentes de la banda no sepan actuar tan bien como sus acompañantes femeninas por no ser lo suficientemente sórdidos. Creo que bien se defiende por sí solo, más allá de las críticas de pornografía gratuita, de machismo o incluso, ya ven ustedes qué drama, de radiofórmula.

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Duck Sauce – Big Bad Wolf
Dirección: Keith Schoffield

Tras el petardazo mundial que pegaron Duck Sauce con el hit Barbra Streisand, reaparecieron con un segundo –y esperemos que último– single consistente en un lobo aullando sobre una base demasiado simplona de cuya baja calidad ellos mismos debieron sospechar. Así decidieron sacar como acompañamiento visual este clip en el que tres trabajadores con una cabeza en la entrepierna salen de caza un sábado noche. No sabemos qué aspira a ser con más énfasis: desagradable, surrealista o divertido. El caso es que es de agradecer en parte que haga olvidar completamente ese horror de canción.

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Herman Dune – Tell me something I don’t know
Dirección: Toben Seymour

Un videoclip en el que un yeti de peluche de color azul, que disfruta con el tacto del salpicadero de un coche y el viento en la cara, hace autostop para ser recogido por John Hamm (de quien habéis oído hablar gracias a Mad men) merece y merecerá siempre una mención  aquí. Que la extraña pareja después se vayan a un concierto de Herman Dune quizá no tanto. Pero eh, es un yeti. De peluche. Azul.

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No Age – Fever dreaming
Dirección: Patrick Daughters

No Age dotaban de imágenes a un tema del álbum Everything in Between con una de las ideas más brillantes que hemos visto este año en el mundo del videoclip: convertir los bordes de la propia pantalla en una puta trituradora psicópata. Y entretanto los chicos de la banda se dedicaran a desatar Fever dreaming sin preocuparse demasiado por la integridad física propia o por ese mobiliario que comienza a volatilizarse a lo bestia.

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Best Coast – Our Deal
Dirección:  Drew Barrymore

Drew Barrymore, el único juguete roto que volvió del infierno del rehab por la puerta grande, dirige el videoclip de la banda californiana de moda con la ayuda de la interpretación de la adorable Chloe Moretz. Para ello cuenta en menos de cuatro minutos la película de entretenimiento perfecta. Mitad Romeo y Julieta, mitad The Warriors. El amor adolescente, graffitti de Julio Cortázar y la mala suerte de no calcular bien el espacio al escribir.

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Cut Copy – Blink and you’ll miss a revolution
Dirección: Emile Sornin

Una secta formada por simios con aspecto humanoide rescata una serie de baúles donde se guardan diversos miembros de Cut Copy. Pero miembros, miembros. Es decir brazos y cabezas de los integrantes del grupo que los monos utilizarán para montarse en su cueva su propio concierto delirante. Como si El planeta de los simios inspirara la deconstrucción de la banda australiana por parte una peludísima y muy animada fanbase. Atención al mono líder (o lo que sería un Albus Dumbledore simiesco) guiñándole el ojo a Jimi Hendrix al prenderle fuego a la guitarra en la escena final. Ape Rockstar.

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Adele – Rolling in the deep
Dirección: Sam Brown

La artista del año sacó en enero este single que absolutamente nadie sospechaba que fuese a pegar tanto. No en vano ha sido la canción más galardonada y vendida del 2011, y además la mismísima Patti Smith incluyó una versión del tema en su gira considerándola  su “canción del verano”. La historia del dolor que la muchacha siente al verse abandonada por su ex la ha llevado a superar los 10 millones de copias vendidas en los días de bajas ventas que corren, y comenzó tal éxito con este vídeo en el que ella se queda sentada en una habitación semivacía, su batería en el hueco de la escalera, un ninja envuelto en harina y alguien que no vemos rompiendo una vajilla. No nos atrevemos a buscar el significado por no caer en el más absoluto de los ridículos, pero las caras tapadas por las sombras y la mirada perdida de la cantante aportan el toque de desazón imperante en el disco y el travelling de la cámara al compás de la canción consigue aumentar el ritmo de la misma, lográndose como conjunto un clip sencillo y potente, que son los dos adjetivos que mejor definen el triunfo de Adele. Luego, casi obligada y a destiempo tuvo que grabar en París el vídeo de su segundo single, Someone like you. Un bonito homenaje a la nouvelle vague que merece también mención en estas líneas.

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Wiley – Numbers in action
Dirección: Us

Wiley y el colectivo Us se divierten lo suyo creando un plano fijo en el que se descuartiza el tema Numbres in action en diferentes y juguetonas pequeñas piezas mecánicas visuales que no son ni más ni menos que otros Wileys multiplicados gracias a la magia de la edición imaginativa (y donde cada uno de los Wileys adicionales lleva una camiseta con su número de encarnación clonada), actuando en pequeños bucles de movimiento, jugando con pelotas, números, globos y cajas al compás del tema. Ingeniosa propuesta en forma de patio de recreo y circo del play/rewind.

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(Continúa)