This is David Wilson

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David Wilson quizás sea hoy en día una de los directores más creativos que pueden sentarse tras una cámara. David Wilson nunca ha pisado una escuela de cine.

Nacido en el 86 en la pequeña ciudad inglesa de Wells, Somerset, Wilson fue un chaval inquieto que se dedicó a estudiar animación en la Universidad de Brighton y no tardó demasiado en descubrir que lo de dibujar se le quedaba corto: en su cabeza burbujeaba la idea de que las imágenes estáticas que pintarrajeaba eran tan solo el primer paso y que la evolución lógica del proceso creativo consistiría en dotar de vida a aquellas ilustraciones inmóviles. A Wilson le fascinaba el cine Disney más añejo (Dumbo) y también la creatividad incombustible de gente como Michel Gondry (llegaría a obsesionarse con el DVD recopilatorio The work of director Michel Gondry), aquel realizador francés cuyo clip «Let Forever Be», para The Chemical Brothers, le hizo intuir que el mundo de la música era un laboratorio ideal para sus ocurrencias. La pieza «Tribulations» de Douglas Wilson para LCD Soundsystem supuso el empujón decisivo y, tras presenciarla, el chico de Wells comenzaría a acomodar sus creaciones en YouTube. Pronto su catálogo llamaría la atención de la productora Blinkink y el aspirante a director comenzaría a pasearse por las oficinas de la empresa durante más de un año dando la lata desinteresadamente. Aquel chaval con un aire al Spud de Trainspotting aprendería a canalizar sus ideas y, tras rodar algún mockumentary casero, fabricaría con un presupuesto ridículo un videoclip que dejaba a las multimillonarias producciones contemporáneas completamente indefensas y asiéndose las bragas: se trataba del fascinante «We Got Time» para Moray McLaren.

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Moray McLaren – «We Got Time» (2009)

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CharlesÉmile Reynaud fue un francés inquieto culpable de idear el praxinoscopio en 1877, un ingenio mecánico que era la versión 2.0 del zootropo, otro cacharro de su invención. Ambos aparatos permitían al usuario entretenerse durante toda la victoriana tarde contemplando dibujos animados de un par de segundos de duración. En 2009 Wilson se inspiraría en aquellos artefactos para facturar una obra sensacional que reconvertía unos cuantos tocadiscos en zootropos con espejos. Mecanismos que al girar dotaban de vida propia a los seres dibujados en los paneles, provocando extrañas e hipnóticas coreografías animadas.

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We Have Band – «You Came Out» (2009)

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El espectáculo visual no siempre requiere de decenas de figurantes, carísimos efectos especiales por ordenador o toneladas de atrezo de relleno. En ocasiones tan solo necesita de gente creativa con la suficiente imaginación como para extraer material precioso de cualquier lugar. «You Came Out» es un vídeo de animación sin dibujos animados, una secuencia en stop motion donde el lienzo son los caretos de los integrantes de la banda. Una ingeniosa escena que solo ha necesitado de pinturas, un par de espejos, afición por la pretecnología y mucha paciencia para codearse con las creaciones más caras y vistosas.

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The Japanese Popstars – «Let Go» (2010)

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The Japanese Popstars tiene muy poco de orientales (son irlandeses) y nada de tontos: para lucir «Let Go» pusieron en nómina al realizador y obtuvieron a cambio un fabuloso desfile de criaturas que gracias a su naturaleza de tinta mutaban y evolucionaban continuamente como un gigantesco organismo vivo.

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Keaton Henson – «Charon» (2010)

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Si a las tragedias les añadimos títeres con tendencias suicidas y sangre de lana inevitablemente resultan mucho más trágicas. Codirigido junto a el propio Keaton Henson y John  Malcom Moore.

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Nokia N8 Pink – «Freedom» (2011)

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Una promoción publicitaria protagonizada por muñecas animadas en stop motion que para el director acabaría convirtiéndose en un trabajo divertidísimo: «Cuanto más intentaba forzar a la compañía con ideas disparatadas, más parecían gustarles. Muñecas girando la cabeza como en El exorcista, un ciervo gigante rosa y tetas láser. Y todo aquello de contratar al peluquero y estilista de Lady Gaga para trabajar sobre los pelos de las Barbies fue una ocurrencia bastante estúpida».

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SKREAM – «Listenin’ To The Records On My Wall» (2010)

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Una reinterpretación del encuentro carnal entre Adán y Eva repleta de pinturas, telas, árboles de plastilina y jardines que florecen rodeando al coito en proceso. No es una de las piezas más destacables de Wilson, pero llegó acompañada de un making of bastante majo.

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Keaton Henson – «You Don´t Know How Lucky You Are» (2011)

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«Creo que el arte en su mayor parte se trata de intentar que alguien te ame», aventuró Keaton Henson en algún momento dado. El clip de «You Don’t Know How Lucky You Are» son cuatro minutos con una única persona en pantalla, Sophie Thompson, hermana menor de Emma Thompson, y una interpretación que consigue sin una sola palabra que el espectador acabe abrazando la tele. Probablemente era esto a lo que se refería Henson.

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Metronomy – «The Bay» (2011)

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O cómo hacer un vídeo con estilo a pesar de incluir paisajes costeros, tacones, chavalas en bañador e insinuaciones nada discretas. Como curiosidad, el joven director presentaría en Dazed un interesantísimo vídeo donde comparaba el storyboard inicial con el resultado final y explicaba parte del proceso creativo detrás de su obra.

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David Guetta (y Sia) – «Titanium» (2011)

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Es posible que la figura del niño con superpoderes perseguido por agentes del Gobierno en un entorno de pequeña urbe casi rural fuese en algún momento una idea novedosa, pero a día de hoy está tan masticada como para ser considerada un cliché en sí mismo: en el «Titanium» para David Guetta no faltan ni las ochenteras huidas pedaleando en la bici. El director cumple, pero no se luce.

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Maccabees – «Pelican» (2011)

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Los ingleses de Maccabees presentaron «Pelican» con un clip asombroso en el que se arrastraba al espectador a través del espacio transformándolo en un cuchillo invisible que cortaba en dos mitades todo aquello que se le aproximaba flotando, incluyendo las jetas de unos cuantos críos. La idea inicial había sido una propuesta del propio grupo: requerían un vÍdeo que recapitulase la vida completa de un individuo de manera abstracta.

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Alternative Advent 2011 (2011)

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Durante un tiempo el realizador aprovechó el periodo navideño para encauzarse temáticamente y experimentar con proyectos centrados en esas fechas: diseñó una serie de supuestas postales rechazadas e hizo que el fotógrafo Owen Silverwood capturase el instante exacto en el que hacía volar por los aires una cena navideña. En 2011 decidió complicarse más la existencia y presentó un calendario de adviento inusual compuesto por veinticinco pequeños cortometrajes, que se fueron desvelando durante los días previos al veinticinco de diciembre. Cada uno de aquellos minivideoclips surgía de la colaboración con diferentes músicos de renombre que se encargaban de proporcionar la banda sonora a un apartado visual formado por piezas creadas para los live shows que montaba Wilson. Las entregas de este rarísimo calendario navideño se colgarían en un blog creado para la ocasión.

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Passion Pit – «Take a Walk» (2012)

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Un paseo a través de un barrio desde el punto de vista de una pelota que rebota (de manera poco compatible con la ciencia) hasta llegar a escalar edificios. No es uno de los mejores vídeos del realizador, y ni siquiera es de los que lucen en la técnica (se utilizó una helicam teledirigida para el rodaje, pero incluso tras la posproducción el resultado final llegaba empapado de movimientos toscos) y a lo mejor por eso mismo el trabajo no parece andar a la vista del público en el currículo digital del realizador.

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Adam Buxton – «Sushi Song» (2012)

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Adam Buxton es un cómico y actor londinense que, entre muchos otros proyectos, se encarga de organizar BUG, un show en directo donde repasa videoclips que considera extraños, brillantes, notables o todo lo anterior combinado. Su espectáculo también tiene una versión televisiva (Adam Buxton’s BUG) en el canal Sky Atlantic y «Sushi Song» es un videoclip que se emitió en una de aquellas entregas catódicas, una canción protagonizada por el propio Buxton cantándole al pescado crudo. Wilson dirigiría una pieza sin demasiados alardes en la que destacaba un pez arrojado por los aires con el efecto de cámara a lo Matrix, algo que tarde o temprano iba a ocurrir en la producción de un caballero que había comentado: «Creo que el hecho de ver las escenas de Matrix en las que se ralentizaba el tiempo y descubrir que nunca habías visto nada igual era cien veces más impresionante que ver Avatar en 3D, incluso si no habías visto nada en 3D antes».

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Artic Monkeys – «Do I Wanna Know?» (2013)

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Los publicistas de ese teleñeco que es Abraham Mateo tienen pinta de ser el tipo de gente que apura para finiquitar de cualquier manera las tareas pendientes antes de la hora del café y poder pasarse el resto del día concentrados en peinarse el vello púbico. Ya se intuía algo de esto cuando optaron por fusilar al juguete Action Man para crear un logotipo para el proto Justin Bieber, pero con la portada del AM de los Artic Monkeys fueron incluso menos discretos y, aprovechando que el cantante infante también tiene un disco titulado AM, la fotocopiaron con tanto descaro que incluso la banda británica se defecó en las redes sociales sobre los enterrados del Mateo. Lo importante es que el diseño original de los monos árticos era tan potente como para convertirlo en un videoclip. «Do I Wanna Know?» trabajaba sobre esa imagen otorgándole vida propia al hacer vibrar la línea al ritmo de la voz de Alex Turner y el sonido de varios instrumentos. En un momento dado aquel hilo fluctuante se transformaba en neumáticos asidos por mujeres neumáticas, botas de paso firme, carreras disparatadas de coches, gallinas que cagan cerebros con motores incrustados y toda una montaña rusa de regusto alucinógeno con pinta de brainstorming de Robert Crumb. En internet arrasó y el videoclip acumula ya más de trescientos veinte millones de reproducciones.

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IKEA – «Bright Shiny Colours» (2013)

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La alianza del realizador con Ikea daría como resultado un anuncio de aquellos que no solo no molestan, sino que además invitan al segundo visionado. Una coreografía en el interior de un catálogo de interiores donde el mobiliario baila con luces de colores y el lavavajillas es una puerta de entrada para bucear en un mundo de dibujos animados.

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Race for Life – «The Cancer Slam» (2013)

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Un anuncio que empieza con un «Este coche representa el cáncer. Y nos lo vamos a cargar» ya tiene media batalla ganada. Un ejército de chicas muy concentradas en bailar al mismo tiempo que convierten en chatarra un vehículo a base de hostias con bates de béisbol y palos de golf. Hablad de metáforas poco sutiles.

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Tame Impala – «Mind Mischief» (2013)

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Cinco minutos y medio de aventura sexual entre una profesora espectacular y un alumno enamoradizo en el interior de un Citroën 2CV. El realizador se pone el delantal de animador para las secuencias de roce carnal y tras ahumarlas con un porro las convierte en un delirio psicodélico que navega por el espacio entre galaxias que se abren de piernas, cuerpos que se derriten como velas y chicos con penes que se transforman en palanca de cambios. Un universo cuyas animaciones bebían, según el propio Wilson afirmaba, de The Oriental Nightfish una fábula fantástica desarrollada por Paul y Linda McCartney junto a Ian Emes.

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Hercules & Love Affair – «I Try To Talk To You» (2014)

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La agrupación Hercules & Love Affair encabezada por Andy Butler realizó un movimiento maestro al invitar a Anohni (la líder de Antony and the Johnsons) a colaborar en 2007 en el tema «Blind», un corte pegadizo que con extraordinaria rapidez se convertiría en un éxito rotundo (Pitchfork llegaría a encumbrarlo como mejor canción del año). Para sus posteriores trabajos Butler anunció que no iba a apoyarse tanto en lo de fichar voces de fama y lustre, pero mintió: John Grant le ayudaría a edificar «I Try To Talk To You», una pieza que lidiaba con el problema de ser portador del VIH y que llegaría revestida con un hermoso vídeo donde una pareja de varones ejecutan una elegantísima coreografia (en la que incluso participa la propia cámara bailando al girar sobre sí misma) en blanco y negro. El asunto conllevaba más entrañas de las que era posible adivinar en un principio: Grant, durante un aparición sobre el escenario para interpretar el tema, confesó a la audiencia que él mismo era portador del VIH.

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Arcade Fire – «We Exist» (2014)

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Win Buttler, líder de Arcade Fire, explicaba que «We Exist» era una conversación entre un chico gay y su padre durante la cual el primero confiesa su condición sexual al progenitor. Andrew Garfield, el Spiderman al que el universo entero hace el vacío, se puso a las órdenes de Wilson e interpretó a una mujer transgénero que tras ser agredida en un bar se teletransportaba hacia un musical onírico. Garfield salvaba el tipo notablemente danzando por el escenario acompañado de un colorido grupo gay de bailarines rednecks, con pantalones cortos y top de «camisacuadros», en una función maravillosa. El desenlace del clip se rodaría durante un concierto real de la banda, la prensa musical se derretiría ante el trabajo de Wilson y los Grammy de aquel año nominarían este «We Exist» en la categoría de mejor videoclip.

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Cardbury – «Passport Control» (2014)

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A lo largo de 2014 al chico de Wells se le encargarían un par de spots protagonizados por Lady Gaga y unos cuantos globos. Pero la incursión publicitaria más simpática del director durante la temporada sería la pequeña promo concebida para la marca de chocolatinas Cardbury. Algo así como el Weapon of Choice de Spike Jonze en versión anuncio y cambiando el hotel desierto por un aeropuerto en activo.

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Metronomy – «Boy Racers» (2015)

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Un cortometraje al ritmo del tema «Boy Racers» de Metronomy donde Daniel Schienert, militante del dúo creativo de directores conocidos como Daniels, se pone tan cachondo con el tema instrumental que da título al corto como para despistarse ligeramente al volante.

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Royal Blood – «Out of the Black» (2015)

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El dúo británico Royal Blood azotó los finales de 2014 con el single «Out of the Black» y un par de meses después lo presentó orgulloso en sociedad junto a un vídeo oficial dirigido a cuatro manos por Christy Karacas y David Wilson. Lo que empieza como el atraco sangriento de un criminal disfrazado de conejito con una peligrosa afición por las chocolatinas se acababa convirtiendo en una invasión alienígena con disfraces de felpa, hombres de negro y sana violencia gratuita desembocando en lluvias de entrañas. La gracia del asunto estaba en el formato: el videoclip saltaba entre la animación y la imagen real, reservando para las secciones animadas las secuencias más aparatosas, espectaculares y sobrecargadas de toneladas de gore y litros de sangre. También hay un personaje con nunchakus, un detalle que siempre suma.

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Beagle Street Life Insurance – «Reborn» (2014) «Coins» (2015) y «Limo» (2015)

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Una serie de anuncios de una aseguradora protagonizados por un bichejo monstruoso que se transformaba en un adorable animalito. La campaña inicial tuvo tanto éxito que propició una segunda venida del gremlin adorable, y eso que el spot hacía lo único que no debe hacer nunca un vídeo publicitario: asustar a la gente.

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Tame Impala – «Let It Happen» (2015)

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Un hombre se desploma en el interior de un aeropuerto y comienza un extraño viaje entre nubes, accidentes de avión y hoteles en el que no es capaz de distinguir el sueño del mundo real. Una de las producciones del director en cuyos efectos prácticos (esa moqueta convertida en puerta, ese despertador gigantesco) se intuye con más claridad la influencia de Michel Gondry.

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Shakespeare Lives in 2016: Macbeth (2016)

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Para celebrar el 400 aniversario de la muerte de William Shakespeare, al Consejo Británico se le ocurrió encargar una serie de piezas a gente de creatividad efervescente y sobre Wilson recaería la tarea de transformar en imágenes el monólogo de Lady Macbeth en el acto 1, escena 5 de Macbeth. Vicky McClure (This is England) aprovecha sus escasos dos minutos para desgarrar a su personaje emocionalmente mientras las extraordinarias animaciones de Ian Miller se encargan de despedazarla físicamente.


¿Cuál es la mejor historia narrada en un vídeo musical?

Seguramente recordarán la escena final de La guerra de las galaxias con la princesa Leia condecorando a su hermano y a su novio, como si de una alcaldesa española se tratara. Pues bien, esto es lo que le ocurre a tan solemne y emotivo momento cuando se le quita la música. Desangelado, incómodo… Es casi irreconocible sin la melodía de John Williams, ¿verdad? Aquí pueden ver de nuevo el original para quitarse el mal sabor de boca. Antes del color, e incluso antes de tener voz, las películas ya tenían música. Las primeras proyecciones de Edison y los hermanos Lumière contaban con su debido acompañamiento instrumental y este matrimonio es tan sólido que muchas canciones logran popularizarse gracias a su videoclip. Además de coreografías y efectos visuales de toda clase, son innumerables los que de paso cuentan una historia, que puede estar relacionada o no con la letra. Estas son a nuestro juicio algunas de las narraciones más memorables, así que voten o añadan alguna otra si les apetece.

(La caja de voto se encuentra al final del artículo)

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«Mary Jane’s Last Dance», de Tom Petty And The Heartbreakers

«La sirena copulante de Venice» es un cuento de Bukowski que ha conocido varias adaptaciones a la pantalla y este vídeo de 1993 es una de ellas. Está protagonizado por Kim Basinger cuando se encontraba en todo su esplendor, así que la bonita historia de necrofilia que narra resulta comprensible y no es difícil ponernos en el lugar de él.

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«Smack My Bitch Up», de The Prodigy

Mientras esperamos con impaciencia las memorias de Charlie Sheen podemos hacer otras cosas como volver a contemplar este vídeo que es ya todo un clásico. El sonido que podríamos definir como ácido de esta peculiar banda inglesa está perfectamente encarnado por las imágenes: una juerga salvaje grabada en primera persona en la que no nos privan de ningún detalle y que tiene un desenlace digno de Shyamalan.

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«Bad Motherfucker», de Biting Elbows

Proyecto Brainstorm y Días Extraños es ciencia ficción que ha terminado haciéndose realidad y YouTube está repleto de vídeos con cámaras GoPro que nos hacen revivir las experiencias de otro. El resultado de la grabación en primera persona es espectacular tal como veíamos en el vídeo anterior, así que era inevitable que alguien más lo repitiera. Esta banda rusa se dio a conocer en 2011 con uno repleto de acción y violencia, «The Stampede»; un par de años después vendría su continuación —aún mejor si cabe— que tenemos sobre estas líneas.

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«Carried Away», de Passion Pit

Por cambiar de tercio, aquí tenemos esta otra historia desbordante de ternura y complicidad. El protagonista es el cantante del grupo, Michael Angelakos, y ella es la actriz Sophia Bush, que algunos recordarán de la serie One Tree Hill.

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«Leave Before The Lights Come On», de Arctic Monkeys

A la actriz protagonista, Kate Ashfield, la vimos en Shaun of the Dead —que en España fue traducida con otro título en ingles, Zombies Party, ¿?— mientras que él, Paddy Considine, es uno de esos secundarios que dan la impresión de estar en todas partes (en El ultimátum de Bourne, por ejemplo). Juntos protagonizan esta historia sobre una chica de tendencias suicidas y su incauto salvador. La moraleja que podemos extraer es bastante perturbadora…

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«Breezeblocks», de Alt J

El hoy aclamadísimo Christopher Nolan se dio a conocer con una película, Memento, que tenía la particularidad de estar contada de adelante hacia atrás. Se trata de un truco narrativo —ya presente en Las mil y una noches— complicado para un largometraje sin que se venga abajo la estructura o se pierda la atención del público, pero que en formatos cortos da resultados muy buenos. La banda neoyorquina Yeah Yeah Yeahs lo empleó en «Sacrilege», Coldplay en «The Scientist» e incluso en el tráiler de un videojuego logra impresionar. Pero de todos los ejemplos quizá el mejor sea el que pueden ver arriba de este grupo inglés de nombre tan raro.

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«Sonne», de Rammstein

Esta banda de metal industrial alemán cuida muchísimo su estética tanto en los conciertos como en los videoclips. Aquí, además, hicieron una versión de Blancanieves y los siete enanitos desvelando las condiciones de explotación de estos sufridos trabajadores del sector primario.

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«No One Survives», de Nekrogoblikon

Esta otra banda de metal por quien se desvela es por los duendes, que los tiene en su mismo nombre y como protagonistas de sus vídeos. Feos como demonios, estos seres son objeto de bullyng en las oficinas, son expulsados de los bares y encima observan verdes de envidia cómo la chica se va con otro… esto no puede acabar bien.

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«All I Want», de Kodaline

Lo que nos cuentan aquí tiene bastante en común con el anterior vídeo, aunque en este caso se potencia el lado más poético y sensible, acorde al estilo de la canción. Aquí vemos la segunda parte, que nos hace sospechar que el verdadero protagonista en todo esto es el bolso, con algún poder o significado que se nos escapa.

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«Stan», de Eminem

La extensión de las letras del rap permite que se conviertan en pequeñas narraciones a las que ya solo hay que añadir imágenes, como es el caso de esta historia sobre un fan de Eminem un tanto perturbado que intenta ponerse en contacto con él. Hasta que finalmente secuestra a su novia embarazada, que es aquí la cantante Dido y la cosa termina en desastre.

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«Just», de Radiohead

Aunque Thom Yorke una vez más intenta acaparar la atención con su baile o lo que sea eso, por fortuna la cámara logra centrarse en otro personaje, que se tumba en medio de la calle para asombro de los demás viandantes.

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«Holy Diver», de Dio

Ronnie James Dio, que por nombre y méritos hoy está en el trono del Cielo que le corresponde, protagoniza una historia de poderosos guerreros, forjas de espadas y la masacre de enemigos y un cónclave de brujos demoníacos. No parecía ser muy consciente de que por su estatura le correspondería más bien el papel de un hobbit en lugar del de un fiero bárbaro al estilo Conan, pero en una redacción donde la sección masculina de gordos abisales interpretamos a esbeltos elfos en juegos de rol quiénes somos para juzgar al más grande.

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«Telephone», de Lady Gaga

Una road-movie que evoca a Thelma y Louise y a Kill Bill (concretamente la camioneta Pussy Wagon, que es la misma) aunque plagada de detalles delirantes y muy divertidos más propios de una historieta de dibujos animados.

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«The One That Got Away», de Katy Perry

Una anciana Katy Perry recuerda los buenos momentos en compañía de Diego Luna, cuando ambos eran jóvenes e inconscientes de lo que estaba por llegar.

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«Take On Me», de a-ha

No podíamos dejar fuera este gran vídeo y canción de los ochenta conocidos desde Yukón hasta el Congo. Aunque el «vídeo literal» de hace unos años es aún mejor.

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«New Americana», de Halsey

Además de contar con una insultante combinación de belleza, juventud e inteligencia esta muchacha, según cuenta en las entrevistas, tiene el buen gusto de sentir predilección por las fantasías distópicas y apocalípticas. Este vídeo bastante reciente es un buen ejemplo de ello, con una estética que bebe directamente de la serie Perdidos y de películas de target adolescente como El corredor del laberinto, Los juegos del hambre y Divergente.

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Trece joyas de 2013

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2013 nos trajo a Mumford & Sons permitiendo que cuatro actores los sustituyeran para mofarse de todos los clichés del folk, a FIDLAR convirtiendo a Nick Offerman en un cautivador aspersor de orina, a una nueva versión de Papá Topo que arrojaba meteoritos en un Hawai de ocho bits, a Thom Yorke intentando convencernos otra vez de que eso que hace es bailar para Atoms for peace, a Yo la tengo riéndose de la naturaleza de los textos en pantalla (y de la regla jamás dictada de que es necesario leerlo todo), a un bombazo animado, a Django django documentando a los zumbados death riders indios y a Bat for lashes cubriendo la dosis anual de marionetas de felpa. Pero también al hijo de Alfonso Cuarón trás la cámara, a un Cameron Dutra jugando a ser Wes Anderson al dirigir con pulso a Foxygen y a David Fincher encuadrando a Justin Timberlake y Jay-Z.

Existe vida más allá del falsete de Robin Thicke y los regateos de la difunta MTV España a la cultura del vídeo que una vez fue su esqueleto. Y en ese caldo de cultivo han nacido estas trece pequeñas joyas que ni serán las únicas ni probablemente las mejores. Pero que merecen todas nuestras atenciones.

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Biting Elbows | «Bad Motherfucker»

Director: Ilya Naishuller

La macarrada de los punkos rusos de Biting Elbows comenzaba con un punto de vista en primera persona, matones de traje empuñando pistolas y pestazo a vídeo casero. Medio segundo después pisaba el acelerador y tras cuatro minutos de montaña rusa necesitábamos asistencia para cerrar la boca. La creación de Naishuller es un autentico desbarre que explota en una fiesta de imposibles, una locura imposible. Rizar el rizo, untarlo de gasolina y prenderle fuego.

Bonus: Biting Elbow dos años antes rodaron junto a Ilya Naishuller la que sería la primera parte de la historia: «The Stampede» menos espectacular, pero con la leche igual de pasada de vueltas.

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Is Tropical | «Dancing anymore»

Director: Megaforce.

Si dejamos completamente solo a un adolescente durante cierta cantidad de tiempo existen muchas posibilidades de que decida pasar el rato jugando con la consola que le viene de serie. Pero existen muchas menos posibilidades de que decida combinar el imaginario masturbatorio con una infografía de videoconsola delicisosamente salpicada de clipping y glitches gráficos. «Dancing anymore», el primer videoclip porno-CGI en el que un chaval sodomiza a un extra del GTA ante la mirada de Lara Croft, eso tiene que significar algo.

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Shugo Tokumaru | «Katachi»

Director: Kijek/Adamski

¿Para qué necesita alguien extras, escenografía, coreografías locas y maneras cinematográficas de superproducción cuando tiene a mano una sierra controlada por ordenador, dos mil chapas de plástico y suficiente tiempo libre?

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Yeah yeah yeahs | «Sacrilege»

Director: Megaforce

Los Yeah yeah yeahs presentaron este año un maravilloso mosquito infográfico que se volvía funky a través de la succión de la hemogoblina de un niño presentado en polivisión. Pero también encargaron a Megaforce un videoclip. Y estos ficharon a la morbosa Lilly Cole, azotaron con potentes ráfagas de montaje invertido y ensamblaron una historia para «Sacrilege». El resultado: una pieza perfecta, rotunda, a bocajarro.

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James Blake | «Overgrow»

Director: Nabil

Nabil renunciaba en «Overgrow» a contarnos una historia o a tejer un mecanismo ingenioso, para optar por algo mucho más elegante: mimetizar la canción y la imagen hasta edificar a su alrededor una atmósfera. Moldear un tono, dar forma a una belleza oscura.

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Vampire Weekend | «Diane Young»

Director: Primo Kahn 

We are standard decidieron convertir a Jesucristo en una modelo rubia, y David Bowie, el eterno rey de los goblins, embelleció su single «The next day» con una colección de blasfemias cerradas con un impagable «Thank you Gary, thank you Marion» (dedicado a Oldman y Cottillard, coprotagonistas de la función) y con la asimilación de la naturaleza del propio Bowie como nuevo mesías. Pero los que de verdad reinventaron a Cristo fueron Vampire Weekend cuando a alguno se le ocurrió sentar a la notable figura en la mesa de la última cena con un pasamontañas, absorto en el móvil choni y sudando de todo su alrededor. Que uno de los invitados al evento apareciera fumando sustancias ilegales utilizando un saxofón como pipa solo servía para sumar puntos al conjunto global.

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Gesaffelstein | «Pursuit»

Directores: Fleur & Manu

Más de uno dijo que lo de Gesaffelstein era tecno de mazmorra y más de dos lo encontrarán doloroso musicalmente hablando. Bailar sus oscuros temas da igual cuando se presenta con un vídeo tan engrasado como este «Pursuit»: con el objetivo en huida constante, a golpe de puño dorado, circulando entre cuadros de poder y tecnologías. Fabricando con un culo desnudo, un ejército de clones y decenas de ametralladoras ingrávidas una joya de la orfebrería visual.

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tameimpala

Tame Impala | «Mind mischief»

Director: David Wilson

And here’s to you, Mrs. Robinson,
Jesus loves you more than you will know
Wo wo wo

Eso mismo, pero en un colegio, con una descarada y faltosa persecución a las nalgas de una profesora que retuerce cuellos a su paso y un polvo en un coche coronado por orgasmos alucinógenos.

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Beach house | «Wishes»

Director: Eric Wareheim

Desde el momento en el que ese Ray Wise armado con un micrófono abre la boca uno tiene la sensación que algo grande está ocurriendo aquí. Y si alguien se arrimase a David Lynch para encargarle una ración de high school americana el resultado no estaría muy lejos de esto, aunque probablemente con un mayor porcentaje de enanos involucrados.

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Passion Pit | «Carried Away»

Directores: Ben Brewer y Alex Brewer.

A lo mejor no hace falta sufrir hora y media de metraje con toneladas de pastelería arrojada contra los morros para crear una comedia romántica decente. A lo mejor.

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Cold Mailman | «My Recurring Dream»

Director: André Chocron

Asimilar el tono y convertir una canción que invoca la fantasía del ensueño en una colección de retazos evocadores. Chocron guía un paseo preciso e impecable a través de cementerios de coches, de miradas encendidas, monopatines trajeados, hospitales transitados y profundidades de piscinas. Un espectáculo visual de escenas cosidas en las que los propios personajes de las estampas se atreven a saltar de un escenario a otro encerrados en ese bucle infinito, en ese sueño recurrente.

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Jackson and His Computerband | «G.I. Jane (Fill Me Up)»

Directores: Mrzyk & Moriceau

Un vídeo que comienza con una dentellada a un pene no puede ser malo, esto es así. El seudónimo del parisino Jackson Fourgeaud deleitaba estómagos selectos con una animación popera y chillona mezclada con el alma mangaka. Y falos malvados, como tiburones, como tentáculos, como tablas de surf. Falos everywhere.

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Bob Dylan | «Like a rolling Stone»

Director: Vania Heymann

La piedra rodante de Dylan data de 1965 y tras tantos años de camino no gozaba de videoclip oficial, aunque es cierto que Michel Gondry se llevó una cámara de fotos a una fiesta de los Rolling Stones y tras barnizar el resultado con el ordenador se marcó una asombrosa marejada de imágenes, pero aquello era 1995 y el videoclip utilizaba la versión de los propios Stones.

Para subsanar algo que ni siquiera era necesario, Vania Heymann concibió un clip cuya única posibilidad para estar a la altura residía en maximizar las dimensiones y la inventiva. Un juguete interactivo que simula la programación televisiva y permite al espectador zapear a voluntad entre dieciséis canales (utilizando los botones del panel) mientras suenan las letras de Dylan. La puntilla de genialidad: todos los personajes de la parrilla catódica están recitando la letra de la canción. Una joya hipnotizante plagada de cameos de personalidades televisivas y agradecida con el replay por su propia naturaleza (es imposible verlo todo a la primera, segunda, tercera, cuarta vez o quinta vez) y un experimento sobre cuya cabeza flota una idea evidente: todo el universo se sabe la letra de Like a rolling stone.

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Menciónes especiales: Mejores no-videoclips 2013.

Los hermanos Ylvis idearon un ridículo videoclip para su programa de televisión cuyo objetivo era fracasar y la sociedad se la devolvió convirtiéndolo en un éxito de youtube demencial; Simon & Schuster’s Children’s Publishing ha acabado comprando los derechos para convertir el jocoso asunto en un libro infantil.

Kanye West ideó la manera de convertirse en una cara de Bélmez around the world. En lugar de presentar un videoclip para su tema «New slaves» el caballero protagonizó una serie de proyecciones repentinas de su jeta sobre las paredes de sesenta y cinco lugares públicos en diferentes puntos del planeta, sorprendiendo y acojonando al mismo tiempo al desprevenido. Justamente por eso lo que nos encontramos a la hora de rastrear su existencia son fabulosos vídeos desde el punto de vista de los espectadores.

Arcade fire presentó un lyric video curioso para Afterlife y unas cuantas semanas después lanzó un segundo videoclip para el mismo dirigido por Emily Kai Bock. Pero lo más importante de todo es que entre la publicación de ambos vídeos se celebraron los YouTube Music Awards y en ellos Spike Jonze demostró de nuevo (lo había hecho antes en «Praise you» y en «Weapon of choice») que es mejor realizador a la hora de sacar en pantalla a gente bailando. Y lo hizo perpetrando esta portentosa pieza rodada en directo que abría la gala con la encantadora Greta Gerwig sacudiéndonos con la única verdad universal: necesitamos bailar. Necesitáis bailar.